I Bachs æra var pibeorglet et af verdens mest teknologisk avancerede instrumenter. Stefano Bianchetti/Corbis via Getty Images

Forestil dig et storslået hus på en bakke, efter mørkets frembrud en efterårsnat. Da døren åbnes, trænger et orgel gennem den tykke stilhed og ekko gennem de hule sale.

Den melodi, der falder mange i øjnene, vil være Johann Sebastian Bachs Toccata og fuga i d-mol, BWV 565, et orgelværk komponeret i begyndelsen af ​​det 18. århundrede. De fleste mennesker i dag genkender det som et sonisk ikon for en bestemt type frygt: spøgende og arkaisk, den slags ting, der sandsynligvis bliver fremstillet af nogen - måske et spøgelse - iført smoking og lurer i et forladt palæ.

 Bach kunne ikke have troet, at hans næsten 9 minutter lange orgelstykke ville blive så stærkt forbundet med hjemsøgte huse og skumle indspil. Som musikforsker hvis nuværende forskning er fokuseret på den musikalske repræsentation af mystik, ser jeg historien om denne sang som et klassisk eksempel på, hvordan musikkens betydning, brug og formål kan ændre sig over tid.

30 sekunders ren og skær spænding

Bach var en teknisk dygtig musikalsk håndværker og en lærd i komposition. I sit arbejde søgte han pligtskyldigt at tjene sin arbejdsgiver, hvad enten det var en luthersk kirke, et kongeligt hof eller et byråd. Han var ikke som de berømte komponister fra senere epoker – Mozart, Haydn, Liszt – som brugte deres talenter til at opbygge berømmelse og øge deres indflydelse.

Som Bach-forsker Christoph Wolff har påpeget, Toccata og fuga hører til repertoiret af virtuose showstykker, som Bach skabte for at udvise sin egen dygtighed som orgelspiller.

For Bach, som ikke efterlod nogen dokumenter vedrørende dette stykke, ville værket kun have været funktionelt, en måde at vise orglets evner og bruge sit talent til god brug - ikke udtryk for følelser, historier eller andre ideer.

Musikken i Bachs Toccata og Fuga skylder meget af sin uhyggelighed til det drama, den anvender: Harmonisk foregår den i en dyster mindre tilstand der generelt er afstemt med mere negative følelser såsom tristhed, nostalgi, tab og fortvivlelse.

Inden for denne mol-tilstand udløses en slående melodisk kontur. Stykkets første tonehøjde er den femte skalagrad i stedet for skalaens første tonehøjde. Den uventede bemærkning skaber usikkerhed. Så er der en hurtig nedstigning ned ad d-mol skalaen efter det indledende flimrende ornament.

Læg dertil den tavse baggrund og de gravide pauser mellem musikalske fraser, og de første 30 sekunder er ren og skær spænding. En stærkt kontrasterende tekstur - med masser af noter stablet op på hinanden - følger, og introducerer soniske sammenstød og rig harmoni, der svulmer med kraft.

Stykket bevæger sig hurtigt efter denne fængslende begyndelse og følger ubønhørligt et mønster af solofigurer blandet med massive, dunkende akkorder.

Orgelets hjemsøgende virkning

Pibeorglets lyde forstærker stykkets uhyggelige lyd yderligere.

Under barokken – omkring 1600 til 1750 – orglet nåede højden af ​​sin popularitet. På det tidspunkt var det et af menneskehedens mest teknologisk avancerede instrumenter, og musikere fremførte rutinemæssigt orgelmusik under gudstjenester og ved koncerter i kirker.

Men som musikforsker Edmond Johnson har forklaret, mange instrumenter foretrukket i barokken, såsom orgel og cembaloen, var gået af mode i det 19. århundrede, gemt i lagerrum, hvor de samlede støv.

Da musikhistorikere og gamle musikgenoplivere først bragte disse instrumenter ud til offentlige optrædener efter mere end et århundrede i opbevaring, lød de nu ukendte instrumenter arkaiske og knirkende for publikum.

Musikolog Carolyn Abbate har argumenteret at musik kan være "klæbende", og samler nye betydninger, efterhånden som sammenhænge ændrer sig og tiden går. Det kan du se på vejen Schuberts berømte "Ave Maria" - oprindeligt skrevet som akkompagnement til ordene i Walter Scotts digt "Lady of the Lake" - blev forbundet med katolsk andagtsmusik. Eller vejen Tjajkovskijs "Nøddeknækkeren" omdannet fra en undervurderet nyromantisk ballet i det 19. århundredes Rusland til en populær årlig juletradition i USA

En sang der satte sig fast

Så hvordan blev stykket forbundet med Halloween?

Én skelsættende film har sandsynligvis bidraget til indtrykket af, at Bachs Toccata og Fuga varsler noget uhyggeligt: 1931 udgivelse af "Dr. Jekyll og Mr. Hyde." Rouben Mamoulians berømte bearbejdelse af Robert Louis Stevensons roman bruger Bachs Toccata i åbningsteksterne. Åbningsteksterne til 'Dr. Jekyll og Mr. Hyde' (1931).

Stykket sætter en tone af spænding og antyder dybderne af ondskab, som Dr. Jekyll vil støde på i sine eksperimenter. I filmen bliver Dr. Jekyll portrætteret som en amatørorganist, der nyder at spille Bachs musik, så det er let for en lytter at anvende Toccataens dramatiske, spændingsfyldte og komplekse karakter på Dr. Jekyll og hans alter ego.

Siden da er musikken også blevet brugt i andre uhyggelige film og videospil, bl.a.The Black Cat”(1934) og det "mørke slot" videospil-serien.

Selvom Bach ikke selv ville have tænkt på Toccata og fuga i d-mol som uhyggelige, vil dens oprindelse som et uskyldigt koncertstykke ikke forhindre det i at sende et gys ned ad ryggen på folk hver Halloween.

Megan Sarno, adjunkt i musik, University of Texas at Arlington

Denne artikel er genudgivet fra The Conversation under en Creative Commons-licens. Læs oprindelige artikel.